2019年的天美藝術基金會的歐洲藝術參訪之旅，我們從阿姆斯特丹皇家美術館的古典藝術出發，到巴塞爾的高端藝術市場，最後在威尼斯雙年展劃下完美句點。兩週的行程中，除了見識西方當今的藝術發展，更試著以各種角度讓我們理解西方藝術文明的演進歷程。這趟藝術之旅的收穫是豐碩的，除了攝取大量藝術新知外，參訪團員之間的每日討論也帶給我很大的收穫。我們試圖以世界的藝術發展角度，重新思考台灣當今的藝術處境。

William Kentridge, Eye Filmmuseum + Kunstmuseum Basel Gegenwart

William Kentridge,Mouth is Dreaming,2019

William Kentridge Kunstmuseum Basel Gegenwart展場一隅

Art Basel Unlimited Sector

　　　在瑞士世界級的博覽會Art Basel，觀眾除了能一窺世上最昂貴的藝術品與高端的畫廊，博覽會規劃的不同單元還能讓觀眾能看到當今藝術圈的不同面貌。觀看主要的Galleries展區是一個特別的經驗，上百家畫廊拿出當下最具商業價值的展品，塞的像大賣場。藝術品最終進到博覽會現場，其實已經喪失當初作品的靈光，對觀眾而言剩下一種獵奇式的觀賞(試圖指認藝術品、藝術家、價錢)。這樣的觀賞經驗對藝術家其實是具衝擊性的，逼迫我們思考商業、藝術與現實的問題，特別是對於非架上作品的藝術家，最終面臨收藏機制，如何調整自己的作品進入市場。
　　　相對於主展區，Unlimited展區則提供藝術家一個完整的發揮空間。在此區的藝術家完整已展覽的方式呈現自己的作品，觀眾也比較能進入欣賞作品的狀態。以下簡述幾位自己比較有印象的藝術家。
　　　阿根廷藝術家Mika Rottenberg 展出單頻道作品Cosmic Generator，她的作品關注國界、種族、商品製造、流通、資本主義等當代議題，運用超現實的電影語言，她建構一個在現實邊緣的敘事。觀眾透過一條長長的隧道進入作品展間，這條在片中不斷出現的隧道，暗示著那些資本主義運作中看不見的渠道。透過這條想像的隧道，中國的塑膠商場、墨西哥的華人餐廳、加州邊境相互連結成了一個神秘的運作系統。Rottenberg的影像作品有很重的電影感，且具有觀賞樂趣。她非常節制的運用想像力，讓那些空缺在觀者的腦袋中發酵。換言之，那種想像不是藝術家自己想完的，而是留給觀眾更多空間。

Mika Rottenberg, cosmic generator, 2017

　　　以色列藝術家Guy Ben Ner影像也牽扯到現實與電影之間的問題。藝術家使用好萊塢電影的音源，用家庭錄影代的方式重新拍攝影像內容，外星人災難片被他變成了一場發生於藝術家廚房的家庭災難片。Guy Ben Ner的影片乍看無厘頭又搞笑，但背後暗喻的以色列事衝突卻讓觀眾不寒而慄。他運用素人、家人，自導自演的方式重新結構好萊塢敘事，逼迫觀眾思考災難、電影、觀看之間的關係。在當代，影像作品與其虛構性(fiction)是個無法迴避的問題，每位影像藝術家都有不同的方式回應這個問題；對Mika Rottenberg來說，影像似乎是對於那些資本主義的運作曲徑的想像，但這個想像絕對不只是獵奇式的滿足視覺，而是對於影像之外更多不可見的真實的叩問。而對Guy Ben Ner的作品則是更直接藉的挪用素人影片、家庭電影、好萊屋電影的形式，逼迫觀眾思考影像生產與真實的問題。
　　　Paul McCarthy的虛擬實境新作也是Unlimited展區的一大亮點。在作品中的兩位動畫角色圍繞者觀者，時而放大、時而分身、變色，並咄咄逼人地重複一樣的台詞 (What’s your name?)。Paul McCarthy非常敏銳地將觀者推入了不斷輪迴的幽閉空間恐懼症之中，而這種恐懼恰好就是虛擬實境體演本身的最大特性。這件作品除了直接的給感官上的震撼以外，不禁讓我好奇Paul McCarthy這樣一位70幾歲的年長藝術家如是何進行這樣的高科技媒材創作？Paul McCarthy不可能親自進行建模、動畫等技術性的工作，在仰賴助手的狀況下，他卻仍然對此數位媒材保持這麼高度的敏銳。
　　　這類型不是藝術家「親手」製作的計畫型創作在當代已經屢見不鮮，它如同電影拍攝的分工一般，需要一個團隊來進行。如今當代藝術家的角色已經有別於傳統藝術家，除了概念、創意、發想之外，一個作品的成敗更仰賴藝術家的人力協調、預算控管、期程規劃等執行能力；藝術家除了面對媒材之外，更需要的是建立一套藝術執行的方法學。

Paul McCarthy的虛擬實境實驗作品

威尼斯雙年展 May you live in interesting times

　　　這次威尼斯雙年展大會展主題May you live in interesting times(願你活在有趣時代)，策展人策劃79位藝術家分別在軍械庫及綠園城堡呈現兩組作品， 讓觀同時看見一位藝術家的不同面貌。藝術家在軍械庫的作品大多具有獨立空間，藝術家在佈展上用力十足，能夠各自獨立成立。相對來說，在綠園城堡因的空間零散，策展人則比較強調各個藝術家作品之間的對話關係。
　　　一進入軍械庫入口，便聽到Christian Marclay作品《48 War Movie》的巨大聲響，藝術家在單頻道影像上同時堆疊48部戰爭電影，混雜的聽覺與視覺讓這些電影失去觀賞性，電影被堆疊成紀念碑式的(monumental)抽象圖像，而觀眾有如膜拜者沉浸在這抽象圖騰之中。在這奇景觀之中，藝術家似乎反問我們什麼是戰爭電影，在當代戰爭的電影的觀影經驗中我們又滿足了什麼？

Christian Marclay, 48 War Movie

　　　Ed Atkins的作品《Old food》關注數位動畫本身的詩意性，六螢幕同步的影像作品，3D角色在其中穿梭、哭泣、演奏樂器。Ed Atkins運用數位動畫的方式模擬誇張的眼淚、手持鏡頭的搖晃感，搭配動態捕捉的技術，巧妙的點出數位、角色、模擬之間的詩意關係。作品名稱《Old food》凸顯了這種矛盾感，數位食物「Old」的概念，甚至數位的角色也根本不需要食物，鏡頭的晃動感暗示了手持相機，但在數位動畫之中沒有那隻手，甚至也沒有相機，展場擺設的歌劇服裝，暗示著缺席的演員；Ed Atkins透過這些空缺的悲涼感，似乎暗示著數位時代對於靈魂的思考

Ed Atkins, Old food, 2017

　　　Jon Rafman 的動畫 《Dream Journal 》展現了這個時代一些經典的樣貌：荒誕、狂亂、意義斷裂。90分鐘循環播放影片搭配浸淫式的展場空間，如夢的展開各種曲折離奇的劇情。Rafman 透過自動性書寫方式，創造了一個極為詭譎的科幻異世界，裡面有尋找走失寵物的肌肉少女，有被遺忘在煉獄的無手少年，各種派對與決鬥，用片段跳剪的方式組織合成。在這作品之中，有一個工具性的問題是無法忽略的：是怎樣的科技環境讓Rafman可以進行這種影像的自動性書寫(如同布洛克的裸體午餐)？這是否如同錫管顏料之餘外光派之間的關係一般？越來越友善的動畫軟體與日漸強大電腦圖形運算能力，讓藝術家得以企及這種迅速、私密的影像書寫模式？在《Dream Journal》中，Rafman 示範了這種當代影像新的書寫模式，這種私密性是在一般電影或動畫編制下永遠不可能做出來的作品。

Jon Rafman, Dream Journal , 2016-2019

　　　雙年展的影像對於觀看場域大多都有很完整的規劃與思考。影像作品在電影院跟在展覽間放映有著截然不同的屬性，透過展的空間調度，影像作品的浸淫式體驗是傳統電影無法獲得的。而浸淫式體驗的關鍵點就是觀眾的身體感，像是Jon Rafman將整個展場鋪滿末日光景的花色的地毯，搭配奇異造型的座椅，螢幕中的影像與展間似乎完美溶接在一起。而法國館的藝術家Laure Prouvost的作品《Deep See Blue Surrounding You》也將影像作為一種浸淫式的體驗，看似隨興的跳剪、片段，配合舞台燈的明滅，觀眾有如在深海之中觀看影像。我很喜歡Laure Prouvost的作品，他的作品總是看起來輕盈、輕鬆，但每個環節都是經過藝術家精心的設計與規劃，觀看她的作品像是一個邀請，藝術家邀請觀者與劇中人物進行一個如夢般的旅行。

Laure Prouvost展場一隅